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No hay duda que los juegos de Need for Speed ocupan un lugar muy especial en el corazón de muchos videojugadores debido a lo longeva que es la franquicia. El primer juego de la saga debutó en 1994, simplemente llamado The Need for Speed, y la verdad es que en su momento fue un título que deslumbró muchísimo por su jugabilidad y apartado gráfico de ese entonces. Este proyecto impulsaría lo que ahora es una de las series de carreras más notorias en la industria, que no deja de consentir a sus fans con lanzamientos constantes y novedades en cada entrega.
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Cuando Obsidian, el estudio detrás de Fallout New Vegas anunció que estaban trabajando en un RPG, como fan de la franquicia era imposible no emocionarse, sobre todo después de que New Vegas es considerada la mejor entrega de Fallout y el proyecto contaba con miembros del Fallout original así como de la entrega de Obsidian Entertainment. El estudio tenía la fe de los jugadores, pero faltaba ver si entregaban algo que viviera a la expectativa de esa exigente base de fans.
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No debí haber intentando hacer dos entregas a la vez. “Calzado a punto de arruinarse” avisa mi interfaz. Lo que me faltaba. Solo medio kilometro más para el objetivo. ¡Maldita sea! De nuevo el clima haciendo de las suyas, solo esperemos que no me tope con zona de BTs… Claro ahí está, de nueva cuenta mi sensor se vuelve loco mientras una figura fantasmagórica se posa enfrente de mi. La piel se me pone de gallina. ¿Rodear por el río? No tengo de otra. Aguanto la respiración. Muy tarde. Mi cuerpo destrozado por el largo viaje es arrastrado cientos de metros por seres de otro mundo mientras mi preciado cargamento sale volando por todas partes. Finalmente logró levantarme y lanzo dos granadas repelentes casi al azar. No tengo el lujo de pelear frente a frente aún. Parece que la desesperada idea funciona. Recojo los dañados paquetes y opto por la ruta más extensa, pero segura. Mi corazón palpita con mucha fuerza. Ahí está la base. Respiro. Finalmente he llegado a mi destino. Una entrega más que ha costado sudor y sangre. Bienvenido a la reseña del espectacular, Death Stranding.
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Encontrar una fórmula o camino a largo plazo para una franquicia anual como Call of Duty es, sin duda, uno de los retos más grandes que puedes encontrar dentro del medio. En los últimos cinco años, Activision y sus estudios han hecho toda clase de malabares para que su serie estrella se mantenga vigente en el gusto de un público masivo que cada vez se acostumbra más a no pagar por los videojuegos que consume. Por supuesto que nombres como el Fortnite han venido a cambiar la perspectiva de muchos publishers dentro de la industria, sobre todo para aquellos que apuntan a vender varios decenas de millones de copias a precios fijos de $60 dólares. En 2018 pensamos que sería el final de las campañas para un jugador de esta serie y en lo comercial, podríamos decir que la movida le funcionó a Black Ops 4. Un año más tarde, Infinity Ward regresa al ruedo para poner sobre la mesa una apuesta que se siente segura y que sin duda funcionará en muchos aspectos pero que francamente, no fue suficiente para decir que regresamos a esas épocas doradas que en 2007, Call of Duty 4: Modern Warfare alcanzó.
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Como marca o compañía que se dedica a crear productos de entretenimiento, es brutalmente complicado colocar a uno o dos nombres que puedan ser reconocidos por las masas. De alguna manera, las creaciones de Shigeru Miyamoto traspasaron todo tipo de barreras y prácticamente desde su nacimiento en los años ochenta, se han convertido en verdaderos iconos de la cultura pop. Por supuesto que el nombre y rostro de Mario son perfectamente identificados por la gran mayoría de personas que habitan este planeta, sin embargo, podríamos decir que su hermano siempre había vivido a su sombra. Cuando en 2001 Nintendo lanzaba el Gamecube, se tomó un arriesgado camino dándole la responsabilidad de estrenar la plataforma al buen Luigi, esto por medio de un experimento que si bien, actualmente es reconocido como todo un clásico, en su momento no fue del todo bien recibido. Nos encontramos en pleno 2019 y luego de que incluso, en 2013 tuviera su propio año, Luigi está de regreso con un nuevo juego que nos recuerda por qué este medio es tan mágico.
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Los videojuegos son magníficos. Estas experiencias virtuales nos permiten experimentar aventuras inimaginables, liberar tierras lejanas del mal, podemos convertirnos en los héroes legendarios que tanto deseamos ser, rescatar a la princesa, o simplemente vivir una vida tranquila en una granja retirada de todos los problemas de la sociedad moderna. Por extraño que parezca, el género de farming games posee un nicho de jugadores bastante apasionados. Aunque su historia se remonta al siglo pasado, no fue sino hasta hace unos años que varios simuladores le inyectaron nueva vida a estos títulos.
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Estamos en una generación donde los remakes y remasters son más prominentes que nunca, pues no hay duda que la nostalgia puede llegar a vender bastante bien. Algunos de estos incluso se pueden llegar a sentir como proyectos totalmente nuevos, como es el caso con el remake de Resident Evil 2, que es considerado uno de los mejores juegos del año y que de alguna manera, el equipo de Capcom logró mantener la esencia de lo que hacía tan especial al título en su momento, todo esto con gráficas y mecánicas correspondientes a la actual generación. Otro gran ejemplo son las trilogías de Crash y Spyro por parte de Activision, que nos entregan grandes experiencias adaptadas a consolas actuales sin dejar de lado la gran jugabilidad que ofrecen estos títulos. Entonces ¿Qué pasa con aquellos remakes innecesarios?
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A veces, los juegos "indie" o independientes, suelen tener una representación mucho más exacta a la visión original de su creador, esto debido a la naturaleza propia del proyecto, pues no solo hay menos trajeados de por medio, sino que la escala no es tan grande como en un AAA. Ya que no hay tanto riesgo monetario en este género, los desarrolladores se atreven a innovar más en cuanto a mecánicas, narrativa, personajes, conceptos y niveles. A veces funciona y a veces no, pero cuando un indie logra resaltar por alguno de estos factores, ya sea para bien o para mal, el resultado final es bastante interesante y nos trae experiencias únicas que difícilmente tendríamos en un AAA.
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Kickstarter es una plataforma que indudablemente, ha cambiado al medio para siempre, ya sea para bien o para mal. Una de sus historias más llamativas es la de Playtonic Games y en aquel entonces, su llamado "Project Ukelele”. Tras una impresionante campaña que en tan solo un día juntó más de $1 millón de dólares, comenzó un tedioso y duro proceso de desarrollo para darle vida a Yooka-Laylee, sucesor espiritual de Banjo-Kazooie que por supuesto, fue trabajado por estos ex Rare pero que al final, se quedó sumamente corto en casi todo lo que intentaba, siendo solo la sombra de aquel juego al que intentaba rendirle tributo. Tras un claro lavado de rostro y cambio en sus filosofías de trabajo, el estudio británico decidió llevar a su franquicia a un diseño 2D con Yooka-Laylee and the Impossible Lair, decisión que no podría haber sido más acertada, dejando claro que el talento indudablemente estaba presente, solo que se había enfocado de la manera incorrecta.
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Anteriormente, ver el nombre de Tom Clancy estampado en algún título podía ser interpretado como una especie de sello de calidad, por decirlo de cierta manera. Las sagas de Ghost Recon y Rainbow Six en particular, se caracterizaban por brindarnos una experiencia de combate táctico como ningún otro shooter lo hacía en su momento. Los enfrentamientos eran difíciles, y llegar a ellos sin una estrategia previa solo resultaría en tu muerte y la de tu escuadrón.
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Las razones por las que actualmente PlayStation se mantiene como el rey en la carrera de consolas caseras son por demás variadas. Algunos aseguran que la comunicación antes del lanzamiento del PS4 fue tan buena y la del Xbox One tan mala, que desde un inicio ya se sabía quién sería el ganador, sin embargo, a pesar de que estoy parcialmente de acuerdo con esto, creo que esta ventaja más bien tuvo que ver con el fabuloso trabajo que se hizo con los estudios first party de Sony Interactive Entertainment. Entre gigantes del tamaño de Japan Studio, Santa Monica Studios, Guerrilla Games o el propio Naughty Dog, también hay algunos rostros de mucho menor envergadura, pero que indudablemente muestran potencial. Tal es el caso de PixelOpus, pequeño estudio californiano que después de haber entregado la curiosa propuesta de Entwined hace unos años, ahora llega con Concrete Genie, título que indudablemente cumple con su presentación gráfica y auditiva, pero que nos quedó a deber enormemente en cosas como mecánicas de juego.
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Han pasado 8 años desde el lanzamiento de Dark Souls. Hace 22 años llegó al mercado Castlevania: Symphony of the Night. Aunque el tiempo pasa y la industria de los videojuegos se mueve cada vez más hacia nuevas tendencias, la popularidad de diferentes géneros varía constantemente, y la línea entre desarrolladores indie y AAA cada vez se vuelve más delgada, estos dos títulos no dejan de ser hitos en la filosofía de diseño de mucho títulos en el mercado. Ya sea por la dificultad, la progresión no lineal, o forma de contar una historia, la inspiración que toman las experiencias que vemos hoy en día es impresionante, y parece que nunca va a parar.
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En la época reciente, simplemente no existe una serie más influyente que Dark Souls. Lo que Hidetaka Miyazaki y FromSoftware alcanzaron con sus RPG de acción, es algo que rara vez vemos dentro del medio y que seguramente, seguirá teniendo eco en el futuro. Luego de que increíblemente Atlus decidiera no darle continuidad a lo que fue Demon’s Souls, juego exclusivo del PS3 que hasta la fecha no ha tenido relanzamientos, Bandai Namco tuvo el buen ojo de tenderle la mano a los también padres de Armored Core. Ahora, el gigantesco publisher japonés toma inspiración de su propia propiedad para crear una IP completamente nueva bajo el nombre de Code Vein, la cual, sí se siente como una calca de la fuente que toma pero a la vez, saber bien cómo ser esa copia sumamente digna que alcanza prácticamente todos los objetivos que se propone.
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Hay un dicho que dice: “sólo hay dos cosas certeras en la vida, la muerte y los impuestos.” A esta frase le agregaría “y un juego de LEGO por cada propiedad intelectual exitosa en la vida.” Pero este no fue siempre el caso. Los primeros títulos basados en los bloques más famosas del mundo, salieron al mercado a finales de los 90’s y eran experiencias originales, ninguna estaba basado en propiedades previamente existentes. No fue sino hasta 2001 que Harry Potter cambió todo. Esta película tomó por sorpresa a todo el mundo y rápidamente se volvió un gran negocio, así que las grandes compañías no tardaron en aprovechar esta situación y dentro del océano de mercancía, LEGO decidió adaptar la cinta en una serie de bloques que eventualmente evolucionaron en un juego desarrollado por Superscape. Como dice otro dicho: “el resto es historia.”
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Si miramos hacia atrás, el año 2013 fue sensacional para los videojuegos; tuvimos BioShock: Infinite, Tomb Raider (sí, ese glorioso reboot), The Last of Us y nada menos que Grand Theft Auto V. Pero en PS3, además de los ya mencionados, los amantes del JRPG recibían una joyita pulida del Nintendo DS, una colaboración excepcional entre LEVEL 5 y Studio Ghibli, uno de los equipos consagrados de la animación. A primera vista, Ni no Kuni: Wrath of the White Witch y su elegante portada color blanco hacían que las miradas se enfocaran en su precioso estilo de arte, sin embargo, sería su historia y combinación curiosa con “atrapar monstruos” la que se ganaría el cariño de la comunidad.
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Muchas veces, las franquicias anuales son fuertemente criticadas por su falta de innovación, su reciclaje de material de títulos pasados y, en general, por no traer nada nuevo a la mesa. FIFA ha sido víctima de dichas críticas, con la comunidad quejándose año tras año de que es el mismo juego con uno que otro cambio por ahí, pero realmente son pocas las veces en que se le añade algo significativo.
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Año tras año los dos videojuegos de fútbol más importantes compiten para ganar la mayor cantidad de usuarios, ya sea con mejoras de jugabilidad o con las licencias que éstos puedan adquirir. Y aunque la balanza suele estar claramente de un lado en cuanto al mayor número de ventas, siguen existiendo fieles amantes de Pro Evolution Soccer desde aquellos tiempos en los que se le conocía como Winning Eleven e International Super Star Soccer.
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Cuando actualmente escuchas que un juego fue producido por Shigeru Miyamoto, dirigido por Takashi Tezuka y escrito por Yoshiaki Koizumi en conjunto con Kensuke Tanabe, inmediatamente piensas en una de esas leyendas que hicieron historia y que cambiaron al medio para siempre. Así es, este verdadero equipo de ensueño se encargó de que en 1993, no volviéramos a ver los juegos para portátil de la misma manera, demostrando que estas plataformas tenían toda la capacidad de entregar experiencias tan robustas como las de las consolas caseras y que sobre todo, no se sintieran efímeras o pasajeras. The Legend of Zelda: Link’s Awakening es uno de los momentos más brillantes del medio y en esta ocasión, Grezzo, estudio japonés que también nos trajo de vuelta en el 3DS a Ocarina of Time y Majora’s Mask, buscará darle el trato que se merece a este clásico del Game Boy con una nueva versión completamente pensada para el exitoso Nintendo Switch.
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Saber de dónde vienen las cosas suele darnos perspectivas diferentes y respuestas a un montón de preguntas que de otra manera, se hubieran quedado sin resolver. Durante el Nintendo Direct de 2018 se anunció un nuevo y muy curioso juego que llegaría en exclusiva al Switch, siendo desarrollado por una compañía llamada Marvelous First Studio, la cual, a pesar de su trayectoria desde épocas del Wii, a pocos nos sonó conocida. Posteriormente brincó el nombre Kenichiro Tsukuda, ex productor de la querida saga de Armored Core de FromSoftware que aparecía de la nada para presentarnos Daemon X Machina. Así es, este nuevo título de mechas y acción no es una ocurrencia ni producto de la casualidad. El concepto de este juego está bien cimentado por personas apasionadas del subgénero que de nueva cuenta buscan atender a un nicho muy específico del mercado, entregando un producto que indudablemente tiene fallas, pero que en su núcleo, brilla de manera intensa justamente gracias a la pasión y amor con el que claramente fue hecho.
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El desarrollo de videojuegos en Europa del este ha tomado una forma y rostro que muy pocos vieron venir. A pesar de ser una zona del mundo no tan privilegiada como lo son sus vecinos occidentales, varias naciones que sufrieron del comunismo hace unos años, se han levantado como verdaderos bastiones del medio, incluso apostando por conceptos muy complejos como usar sus propios motores gráficos. 4A Games, estudio ubicado en Ucrania es perfecto ejemplo de todo esto que menciono y, que desde hace unos años, nos ha maravillado con su fabulosa trilogía de Metro, la cual, en febrero de este 2019 llegó a una increíble conclusión con Metro Exodus. Ahora y justo como se prometió desde que el proyecto se confirmó, nos llega la primer gran expansión bajo el nombre de The Two Colonels para regresarnos a los tétricos túneles del metro.
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Mucho ha cambiado desde los primeros exitosos juegos de peleas sidescroll, o beat’em ups. Durante prácticamente dos décadas este género era uno de los más populares, no sólo en arcades, pero en consolas también. Prácticamente todos sabemos de Double Dragon, TMNT IV: Turtles in Time, y Final Fight. Cada uno ofrecía un gameplay retador y bastante simple, pero divertido, en donde la historia no importaba. Es una fantasía de poder.
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Durante la última etapa de desarrollo del aclamado Persona 4, juego que probablemente convirtió a esta serie en mucho más que solo un spin-off de Shin Megami Tensei, Katsura Hashino y todo el equipo del 2nd Creative Production Department de Atlus, pusieron manos a la obra para comenzar con un proyecto completamente nuevo que apelara fuertemente a un público un tanto más maduro y que a la vez, se alejara de las mecánicas clásicas de un RPG para darle paso a las de un interesante Puzzle, esto claro, conservando toda la parte de simulación de relaciones. Así nació el concepto de Catherine, título originalmente lanzado en 2011 para el PS3 y Xbox 360 que en febrero de este año, tuvo una versión mejorada para Japón bajo el nombre de Catherine: Full Body y que finalmente, ha llegado a nuestra región en el PS4.
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Era el verano de 1999 y en los medios estadounidenses giraba una historia: en algún momento del año anterior, un pequeño grupo de estudiantes en Maryland, se habían adentrado a un bosque y luego desaparecieron de la faz de la tierra. En aquel entonces, se creó una página de Internet con la historia y el miedo empezaba a surgir entre las personas. Lo que no estaba claro desde un principio –lo cual era la intención–, es que todas y cada una de estas acciones formaban parte de un plan que la productora Haxan Films tenía para una cinta hecha con un presupuesto mínimo, pero astutamente bien implementado. En agosto de 1999, The Blair Witch Project llegaba a los cines para crear un legado en el género de terror y, ya en su 20 aniversario, toma la forma de un videojuego.
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Recordar la primera vez que haces algo siempre es muy grato. Si me pongo a pensar en la primera vez que hice una reseña o en la primera vez que probé las delicias del Super Taco, lo único que podrás ver en mi carota es una tremenda sonrisa. Lo mismo ocurre cuando recuerdo la primera vez que jugué Gears, después de todo, no es ningún secreto para todo el barrio de Atomix que si de algo soy fan es de la franquicia Gears of War.
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Borderlands es una de las franquicias más importantes en cuanto a “Loot Shooters” se refiere, los cuales, siempre han demostrado el interés de querer ser el que se encuentre en la cima, siempre innovando lo que son los FPS’s, con una gran cantidad de comedia que son un reflejo de qué tan retorcida es la realidad en Pandora, planeta constantemente atacado por corporaciones donde se desarrolla la gran mayoría de los acontecimientos que hemos experimentado desde hace 10 años.
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