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Por lo general los juegos de One Piece no han sido malos, pero ninguno ha logrado superar esa barrera que les permitan trascender. Y es que si bien todos logran aprovechar de buena manera el fanservice de la obra original, ninguno ha conseguido ofrecer una propuesta en gameplay concisa, pulida y que funcione óptimamente en cualquiera de los géneros que lleva abordado (peleas, aventuras, combate musou o exploración). Ante este panorama nos llega One Piece: World Seeker, un juego que desde su revelación se postró como uno de los proyectos más ambiciosos basados en el manga al consistir de un título de mundo abierto con un enorme mapa para explorar y con mecánicas de combate diversas. A primera vista parecía que éste conseguiría su cometido de convertirse en ese juego que dejaría en alto el nombre de la serie dentro de la industria, pero al final sus poco pulidas mecánicas de juego y lo simplón que resultan sus controles, terminaron por hacer de éste un juego con una propuesta interesante, pero pobremente ejecutada.
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Left Alive es un título que de inicio prometía mucho – que ilusionaba de verdad – por la gente que se encontraba detrás del desarrollo. Contar con el mítico Yoji Shinkawa para el apartado artístico, la dirección de un grande con imagen más discreta como Toshifumi Nabeshima y con el apoyo de Square Enix, el suelo se veía muy fértil para algo grande, pero poner el techo muy alto casi nunca sale bien y por desgracia este juego no cumple con la expectativa. Anunciado en el Tokyo Game Show de 2017, Left Alive vio la luz el pasado 28 de febrero en Japón y el 5 de marzo en el resto del mundo. Con un elenco de lujo y el apoyo de un grande, el título se queda muy lejos de los controles exactos y los grandes diseños de niveles de otros juegos del género.
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Por sorprendente que parezca han pasado ya diez años desde la última vez que vimos un Devil May Cry, o al menos uno formal hecho por el propio Capcom y que continuase con las aventuras del genial caza demonios. Teniendo en cuenta dicha esto y tras el sabor agridulce que dejó el spin-off hecho por el equipo de Ninja Theory, las expectativas que se hicieron cuando por fin se reveló la tan anticipada quinta entrega de la franquicia el año pasado se elevaron como la espuma, a tal grado de colocarlo de inmediato como uno de los títulos más esperados del 2019. Pero como suele suceder con todo juego que tardó tanto en llegar a nuestras manos resulta imposible cuestionarnos sobre si en verdad valió la pena esperar por éste. En el caso de Devil May Cry 5, creo que puedo decir con certeza que así lo fue.
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A poco más de seis años de su última entrega, Koei Tecmo nos trae Dead or Alive 6, título que fue revelado el pasado E3. A primera vista, parecería que éste será un juego que ofrece más de lo mismo, con apenas y algunos ligeros cambios respecto a su predecesor. Sin embargo, desde su revelación Koei Tecmo hizo énfasis en que contaría con varios cambios importantes con los que buscaría tanto posicionarlo como un juego de peleas más serio, con lo necesario para atrapar tanto a jugadores expertos como novatos, y uno que no abusaría del fanservice para sobresalir. ¿Lo consiguieron? ¡Por supuesto! Aunque no como se nos lo había planteado.
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Estoy seguro que todos recuerdan "Everything is AWESOME!!" interpretada por la banda canadiense Tegan & Sara ya sea porque se grabó en nuestras mentes con la primera película o por su extraña versión en vivo durante la entrega de los premios de la Academia. Quizás en el mundo de los videojuegos no todo es tan increíble para los títulos de LEGO que explotan las licencias de algunas cintas, ya que parecería que recurren a una fórmula que conocemos a la perfección y que se ha desgastado al paso del tiempo resultando en una oferta poco atractiva para el público en general.
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Inténtalo. Equivócate. Y vuélvelo a intentar hasta que te obtengas el resultado deseado. Esa es una mecánica que ha estado presente prácticamente desde el inicio de los videojuegos, sobretodo en juegos tipo arcade con mecánicas de juego sencillas, pero que son difíciles de dominar. Ese es el concepto en el que se ha basado la serie de Trials que nos ha presentado Ubisoft y del cual la última entrega ha sorprendiendo a propios y extraños. Se trata de Trials Rising, el cual ya está disponible para tu plataforma de juego preferida.
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Después del tremendo tropiezo que fue su último juego, en BioWare sabían que debían de hacer algo con lo que pudieran darle la vuelta a la situación, y fue así que que pusieron manos a la obra para crear un proyecto totalmente diferente a lo que nos tenían acostumbrados. Dicha propuesta es Anthem, un juego de ciencia ficción y mundo abierto con aproximación multiplayer en el que los jugadores serían los artífices de sus propias aventuras... o al menos así es como nos lo anunciaban. Y digo al menos ya que, tras pasar varias horas explorando este nuevo concepto, me doy cuenta de que la ambiciosa idea que tenía el estudió no logró consolidarse de la manera que se esperaba y acabó convirtiéndose en un juego disparejo con muchas oportunidades desperdiciadas.
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El 2018 fue un gran año para los juegos que estaban enfocados en su narrativa y que dejaban de lado (o en segundo plano) los modos multiplayer. Basta con mencionar títulos como God of War, Red Dead Redemption 2, Assassin's Creed Odyssey y Dragon Quest XI, sólo por mencionar algunos. Pero en el mes de marzo hubo otro título que aparte de contar con una gran historia, también sorprendió por su entretenido gameplay, aunque pasó desapercibido por muchos jugadores. Me refiero a Far Cry 5, que quizá por su estética y temática religiosa no resultó tan atractivo para el público. Casi un año después de su lanzamiento llega Far Cry New Dawn, una secuela directa que mantiene casi todos los elementos del título anterior.
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En papel, parecía que Jump Force tendría todo para triunfar: un enorme elenco de personajes, gráficos impresionantes, un esquema de juego divertido y una propuesta que, por si sola derrochaba excesivo fanservice. ¿Qué podría salir mal? Tristemente y tras probarlo me he dado cuenta de que éste tiene varios fallos que terminan por alejarlo de ser ese crossover de ensueño que muchos fans estaban esperando.
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El año era 2010. El Rodo de 20 años apenas estaba en el segundo año de la universidad y no tenía ni idea de qué haría con su vida. Todo se apegaba a una rutina muy específica que se dividía entre la escuela, el trabajo y las noches alocadas de videojuegos en compañía de buenos amigos. En una de esas noches, Panchito y yo descubrimos un juego llamado Crackdown 2, el cual decidimos rentar en el BB y que por lo que vimos en la portada, nos daría una noche muy agradable. Lastima que el juego de Ruffian Games no fue lo que esperábamos, por lo que pasó casi desapercibido en nuestras crónicas nocturnas de papitas y videojuegos.
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Dicen que la inspiración puede venir de absolutamente cualquier lado, sobre todo de otros medios de entretenimiento que no necesariamente tengan mucho que ver con la obra que el autor está intentando representar. En 2010, los ucranianos de 4A Games convencieron al extinto THQ de hacer un FPS bajo el nombre de Metro 2033 basado en la novela del mismo título del escritor ruso, Dmitry Glukhovsky, quien ocho años antes, había liberado su obra en un sitio web para que cualquiera la pudiera disfrutar sin pagar un solo centavo. El resultado final de este primer juego fue distinto a todo lo que había allá afuera en aquel entonces, formando una sólida base de fans que terminaron por darle paso a una trilogía que en este 2019 está viendo su conclusión. Metro Exodus es justamente la culminación de la visión de un estudio ubicado en una parte del mundo de donde no suelen salir producciones de este tipo, y a pesar de que en efecto, uno de los objetivos de este nuevo producto es el de cautivar a nuevas audiencias, en ningún momento se olvida de los elementos que hicieron tan especial a la serie en un inicio.
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Pese a no ser una franquicia tan reconocida en Occidente, Bandai Namco se las ha ingeniado para darle empuje a la serie de God Eater y mantenerla como una interesante opción para quienes gustan de los juegos de cacería. Prueba de ello la vemos ahora cuando, a casi tres años del lanzamiento de su segunda entrega, nos llega un tercer capítulo que promete traer la experiencia de las portátiles a las consolas de actual generación (o al PS4 y PC cuando menos). Pero, ¿logra ajustarse God Eater 3 a las nuevas plataformas? Para fortuna de todos lo hace, aunque con fallas notables que bien se pudieron corregir o mejorar.
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No hay plazo que no se cumpla y, ahora, llegó el momento de adentrarnos a Kingdom Hearts 3. Sin duda alguna estamos ante un suceso tan importante por el que millones estuvieron aguardando tan fervientemente y, por esa misma razón, llegó la hora de cuestionarnos, ¿en verdad valió la pena ser tan pacientes por esta tercera entrega? Aún más importante, ¿ésta consigue resolver toda esa maraña en la que se ha convertido historia y logra darle una conclusión digna a las aventuras de Sora, Donald, Goofy y compañía?
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Siempre que un estudio decide relanzar a uno de sus títulos clásicos se enfrenta con la pregunta de qué tanto trabajo meterle para traerlo a la actualidad. Desde simples escalamientos de resolución, hasta rehacer todos los assets gráficos que vemos en pantalla, los remakes o remasterizaciones han llegado para quedarse. Sin lugar a duda, Capcom es uno de los pioneros modernos de este tipo de prácticas, normalmente elevando los estándares de manera muy marcada como pasó en 2002 cuando el primer Resident Evil llegó al Gamecube con un espectacular tratamiento visual que no se había visto antes. Ahora, los también padres de Street Fighter toman a uno de los más grandes clásicos de todos los tiempos y considerado por muchos, como la mejor entrega de la franquicia de terror para traerlo de vuelta de una manera que de nueva cuenta, rompe moldes y paradigmas sobre las ideas que teníamos sobre este tipo de productos. Esta nueva cara de Resident Evil 2 va mucho más allá de lo que nos imaginábamos.
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La industria de los videojuegos es un medio de entretenimiento que constantemente está cambiando. La forma en la que se ha masificado provocó que hasta los desarrolladores más fuertes y con más historia, replanteen sus estrategias y formas de hacer negocio. Otra de las consecuencias de lo anterior es que géneros muy arraigados, llegaron a perder algo de protagonismo como por ejemplo, los shooters de naves o simuladores de vuelo. Cuando a mediados de los noventa, el PlayStation comenzaba con una nueva era para el gaming que apuntaba a experiencias ultrarealistas, el aquel entonces Namco, decidió lanzar un impresionante juego bajo el nombre de Air Combat, el cual, a la larga daría vida a la franquicia de Ace Combat que a través de los años, fue sumando miles de apasionados fanáticos pero que últimamente, no había dado mucho de qué hablar. Más de 10 años después de su última entrega de la línea principal y tras un extenuante proceso de desarrollo que significó un par de retrasos, Ace Combat 7: Skies Unknown finalmente está entre nosotros con la gran promesa de revivir a esta sensacional saga.
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Tuvieron que pasar muchos años para que volviéramos a tener noticias de Travis Touchdown, el asesino otaku que brilló por su extravagancia en las entregas de No More Heroes. Para alegría de sus seguidores, el divertido anti-héroe creado por Suda51 está de regreso y lo hace con un título que, aunque muy simple en sus mecánicas, transpira en cada uno de sus poros la genialidad de Goichi Suda y el equipo de Grasshopper Manufacture.
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El año pasado se cumplió el aniversario 20 del momento que cambió el género de sigilo para siempre. En el ahora lejano 1998 se estrenaron dos títulos que dieron forma a las mecánicas que serían la base para todo lo venidero en este estilo de juego y el cambio más sustancial desde Metal Gear 2 Solid Snake. Me refiero a Metal Gear Solid y Thief: The Dark Project los cuales aprovecharon las capacidades técnicas de sus plataformas de desarrollo para crear el estándar de los títulos de sigilo moderno.
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Una década ha trascurrido desde que Tales of Vesperia llegó para maravillar a millones de jugadores y, a sabiendas de que muchos siguen extrañando y añorando esa mágica travesía, Bandai Namco decidió celebrar el décimo aniversario del juego con una nueva versión del título. Dicha edición es Tales of Vesperia: Definitive Edition y consiste de una remasterización que incluye gráficos ligeramente mejorados, más contenidos "nuevos" (que son aquellos que se quedaron como exclusivos de la versión japonesa del juego en PS3 que jamás se localizó en el resto del mundo) y diversas versiones para prácticamente todas las plataformas de juego de la actualidad. Con semejante perfil resulta obvio que éste se convierte en una oportunidad ideal para revisitar tan genial aventura; sin embargo, también se coloca como una prueba de fuego con la que podemos corroborar la manera en la que ha envejecido el juego. ¿Qué tan bien le han sentado los años al susodicho mejor capítulo de la serie?
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Nintendo es la empresa activa más antigua de toda la industria del entretenimiento. A lo largo de su extensa historia, ha vivido toda clase de momentos, algunos brillantes que han quedado escritos con letras de oro y otros, que la pusieron a prueba ante adversidades verdaderamente considerables. En noviembre de 2012, la Gran N lanzó el sucesor de una de sus consolas más exitosas, sin embargo, desde su presentación, existió una fuerte confusión sobre lo que representaba este nuevo proyecto bajo el nombre de Wii U. A pesar de todo esto, la apuesta de acompañar el lanzamiento de su nuevo producto con un nuevo Mario en 2D parecía segura y nada arriesgada, considerando lo increíblemente bien que la serie, New Super Mario Bros., había vendido en el pasado. Error, ni siquiera con una carta tan sólida en lo comercial, la incomprendida plataforma logró despegar y ahora, el Nintendo Switch se está convirtiendo en ese lugar para que muchos de estos juegos que fueron pasados por alto por la gran mayoría, encuentren una merecida segunda oportunidad.
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Además de ser el personaje de videojuegos más icónico de todos los tiempos y todo un símbolo de la cultura popular, Mario siempre ha sido un lienzo en blanco listo para ejecutar cualquier loca idea que se le ponga enfrente, la gran mayoría de las veces con excelentes resultados. En 1996 cuando el Super Nintendo estaba siendo reemplazado por el Nintendo 64, los de Kyoto formaron una alianza sin precedentes con Square para llevar el Mushroom Kingdom al mundo de los juegos de rol. Super Mario RPG: Legend of the Seven Stars de SNES es una verdadera leyenda que desgraciadamente nunca recibió una secuela… o al menos eso creen muchos. Luego del primer Paper Mario, Nintendo decidió que la tradición de tener a Mario y sus amigos en un RPG debía de seguir adelante de manera concisa, por lo que decidió formar AlphaDream, estudio compuesto por básicamente las mentes más importantes que iniciaron con la idea y que hasta la fecha, han estado detrás de los cinco sensacionales títulos de Mario & Luigi. Estamos en 2019 y es tiempo de revistar la tercer y probablemente, mejor entrega de la serie.
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Cuando a mediados de los años ochenta, la industria se comenzaba a recuperar de la fuerte crisis sufrida a inicios de esa misma década, el nombre de un curioso fontanero italiano invadía los principales titulares y se comenzaba a convertir en todo un ícono de la cultura popular. Sega, ya con su Master System en el mercado, sabía que tenía que responder rápidamente a cómo es que Nintendo y Mario se comían el mercado a bocados, por lo que con ayuda de algunos de sus asociados, se creó la saga de Wonder Boy, misma que si bien, no es ni cerca de lo popular que fue y siempre será la mascota de la Gran N, sí se ganó un especial lugar en el corazón de muchos jugadores, formando un importante linaje que hoy en día, sigue haciendo eco y demostrando su gran influencia en desarrolladores contemporáneos. Para prueba, la existencia de algo como Monster Boy and the Cursed Kingdom, título creado por un estudio francés, apoyado por un publisher alemán y en el que varias de las mentes japonesas que participaron en los proyectos originales de la franquicia, se involucraron de lleno. Extraña combinación sin duda, pero que dio como resultado un platillo verdaderamente exquisito.
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Es muy complejo el poder comenzar a hablar de GRIS ya que es una experiencia única que empuja los límites narrativos del videojuego como medio. Es una de esas obras que marcan una diferencia, quizá no con éxito comercial y reconocimiento del público en general pero en su naturaleza de arte tiene la cualidad que da "Qué pensar". Es decir, propicia el pensamiento crítico a la vez que lleva al jugador a encontrar resonancia emocional en el recorrido de su viaje. Y es que llega un punto en el que se vuelve casi imposible discernir entre un sueño y sus mecánicas de juego que a la vez son contenedoras de la trama.
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Con tan poco tiempo de desarrollo, muchos pensamos que el Super Smash Bros. que llegaría a Switch sería uno que retomaría lo mejor de las entregas de 3DS y Wii U y al que dotarían con apenas unas pocas adiciones. Para nuestra sorpresa lo que en su lugar recibimos fue un tremendo paquete con abundantes contenidos. Dicho título es Super Smash Bros. Ultimate, juego que se postra fácilmente como el más grande que hayamos visto en la serie e, incluso, como uno de los crossovers más ambiciosos que hay tanto en la industria de los vieojuegos como del entretenimiento mismo .
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La mejor manera para describir a un juego como Just Cause 4 es: locura absoluta. Es un título que no se toma nada en serio pero que dentro de su naturaleza muestra un avance y mejora como franquicia con el paso de los años. Sin embargo, se queda por debajo de los estándares de los juegos de su género y tipo para cómo están las cosas hoy en día. Eso sí, te aseguro que si estás familiarizado con la serie, te pasarás un buen rato de diversión.
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Atlus nos trae Persona 5: Dancing in Starlight, titulo de ritmo y baile que sigue una fórmula prácticamente idéntica a la que se exploró (con geniales resultados) en Persona 4: Dancing All Night. Pero el juego no llega solo, sino que lo hace acompañado de Persona 3: Dancing in Moonlight, spin-off similar enfocado en Persona 3, entrega con una banda sonora igualmente pero que pasó desapercibida por millones. Por ello y dado que ambos comparten el mismo concepto general de juego, es que decidimos hacer su análisis en un solo texto, aunque acotando los aspectos que los diferencian.
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