En un abrir y cerrar de ojos se nos fue 2021, año que de nuevo fue sumamente complicado por los pesares que seguimos viviendo a nivel mundial gracias a la pandemia. A pesar de lo anterior, la industria del gaming se mantuvo firme y fuerte, dejando claro que ni los eventos que hemos vivido en los últimos 24 meses, nos van a parar. Gracias a lo anterior, los malos momentos se vieron apaciguados por decenas de grandísimos videojuegos que prácticamente a lo largo de todo año, nos maravillaron con fantásticas propuestas que han quedado para la posteridad. Continuando con nuestra tradición, el staff de Atomix se juntó para hacer un programa especial en el que luego una acalorada discusión, se determinó una lista de los que para nosotros, fueron los 15 títulos más destacados de 2021.
Por supuesto, te recomendamos ampliamente darte una vuelta por el episodio 342 de Atomix Podcast, el cual ya está disponible y que podrás encontrar aquí mismo, para que veas cómo se dieron los votos para llegar a la lista que te presentamos a continuación.
Sin más preámbulos, acá te va la lista de los 15 Mejores Juegos del Año para Atomix.
Capcom se encuentra viviendo uno de los mejores momentos de su historia. Luego de un inicio de siglo lleno de dudas sobre qué camino tomar y qué identidad seguir, el publisher de Osaka finalmente encontró el rumbo y evitó un destino similar al de Konami que muchos ya le anticipaban. En 2018, todo esto se vio de manifiesto cuando gracias a Monster Hunter World, la franquicia caza monstruos finalmente encontró un espacio en el gusto del público occidental para convertirse en una nueva mina de oro para los padres de Street Fighter. Por supuesto, dicha mina no dejaría de ser explotada y en este 2021, los usuarios de Switch finalmente recibieron una entrega completamente nueva de la serie que además, llegaría en exclusiva a la consola híbrida de Nintendo.
Las dudas sobre las capacidades de este hardware no se hicieron esperar, pero de alguna manera, Capcom hizo auténtica magia con su RE Engine para entregarnos uno de los juegos más impresionantes en la parte técnica que el Switch haya visto desde su estreno en 2017. Ver a Monster Hunter Rise corriendo en la tableta de los de Kioto es un auténtico deleite y cuesta trabajo creer que lo haga de tan buena forma. Claro que el nuevo Monster Hunter no es tan querido solo por cómo es que funciona en la parte técnica, sino por lo bien que se juega y por cómo es que los cambios que trajo a la serie, hicieron que la experiencia fuera aún mejor. Por ejemplo, la introducción del Wirebug hizo que las batallas se sintieran más dinámicas que nunca, esto sin mencionar lo bien que funciona su sistema multiplayer.
Hazelight siempre ha sido un estudio verdaderamente especial. Desde que se lanzó su primer juego, Brothers: A Tale of Two Sons, sabíamos que el mediático Josef Fares y su equipo no eran una compañía desarrolladora más. En 2018, bajo el manto de EA, el estudio sueco regresó con una propuesta enteramente enfocada a la cooperación entre dos jugadores, una que no era opcional, por lo que si la querías experimentar, forzosamente necesitabas encontrar a alguien con quien jugar. A pesar de ser una idea excelente, la falta de visión en crear verdaderas mecánicas de juego y no solo QTEs que dieran la ilusión de que nosotros estábamos siendo participes de simples cinemáticas, frenaron a este título de ser algo mucho más importante. Lo bueno de todo este asunto es que se convirtió en un proceso de aprendizaje que derivó en una auténtica joya que incluso se hizo del GOTY en The Game Awards 2021.
Uno puede ver de lejos a It Takes Two y pensar que se trata de un juego generalmente simple y sin mucho qué aportar, pero solo basta con pasar su primer nivel para darte cuenta de que algo verdaderamente especial está frente a ti. Además de presentar una brillante historia llena de matices, verdadero desarrollo de personajes y un fuerte mensaje familiar, el más reciente juego de Hazelight Studios se destaca por cómo es en cada una de sus etapas o niveles, nos maravilla con una idea de mecánica de juego completamente diferente a la anterior. De la nada pasas de un platformer en tres dimensiones, a un shooter en tercera persona o hasta a un dungeon crawler con toques de RPG. Lo mejor de todo este asunto es que cada una de estas ideas funciona a la perfección, entregando una memorable aventura que además, te llena el ojo y el odio con una presentación audiovisual de auténtico alarido.
Housemarque se ha convertido en uno de esos estudios que poco a poco se ha ganado un lugar de honor dentro de la industria. Trabajos como Resogun, Super Stardust, Alienation, Nex Machina y demás, han convertido a estos finlandeses en auténticos reyes de los shooters arcade modernos. Desde hace ya un rato, PlayStation les ha venido siguiendo la pista, incluso apoyando varios de sus proyectos en la parte financiera para tenerlos como exclusivas de sus consolas, relación que en este mismo año finalmente se consolidó para que viniera la compra completa y se convirtieran en la nueva joya de los PlayStation Studios. Dicho movimiento se dio gracias al impecable resultado artístico que se tuvo con Returnal, primera producción de tamaño considerable de esta compañía con la que dejaron claro que ya están completamente listos para las grandes ligas.
El inicio de la actual generación de consolas indudablemente se sintió lento. A pesar de las propuestas que Sony puso sobre la mesa el día de llegada del PS5, como que algo nos faltaba. Contrario a todos los pronósticos, Returnal se sintió como ese primer juego de nueva generación, pues justamente es un software total y completamente pensado para sacar provecho de las bondades del hardware de la nueva consola de PlayStation. Lo más interesante de este título de Housemarque ni siquiera es su impresionante apartado gráfico y sonoro, sino cómo fue que se usó el DualSense para crear mecánicas de juego dentro de un súper emocionante y sobre todo, retador shooter en tercera persona que en todo momento te tiene en el filo de tu asiento. Cuesta trabajo pensar en más experiencias tan especiales como esta exclusiva del PS5.
Resident Evil es, sin duda, una de las series de videojuegos más queridas de todos los tiempos, asunto que no la ha salvado de pasar por etapas sumamente complicadas que en más de una ocasión nos pusieron a dudar sobre su verdadera valía. Luego del fenómeno en el que se convirtió la cuarta entrega, la franquicia creada por el legendario, Shinji Mikami, cayó en una fuerte crisis de identidad que nos llevaron a bodrios del tamaño de Resident Evil 5 y 6. Sabiendo perfectamente que a pesar de que dichos títulos habían tenido grandes números en la parte comercial, el estudio y publisher de Osaka debía corregir el camino cuanto antes. Dando un inesperado giro para la linea principal de la saga, se presentó Resident Evil VII, el cual, a pesar de ahora apostar por una moderna vista en primera persona, regresaba a las raíces de survival horror de la familia a la que representaba y que claro, veríamos expandido en la octava entrega que aparecía como una de las primeras súper producciones AAA de esta generación de consolas.
Los caminos y formas que toma Resident Evil Village son por demás diversos y en realidad, podemos ver influencias de toda la historia de la serie en esta nueva aventura de Ethan, pero creo que todos estamos de acuerdo en que Resident Evil 4 podría ser el fundamento sobre el cual está basado este título, tanto para bien, como para mal. El ambiente gótico europeo que se usó en esta ocasión quedó perfectamente para la experiencia que se estaba intentando retratar, y conceptos como el de ahora tener vampiros y hombres lobo dentro del universo de esta franquicia, funcionaron mejor lo que nos podíamos imaginar. Además, ésta fue una inmejorable oportunidad para que Capcom pudiera lucir aún más las capacidades gráficas y sonoras de su impresionante RE Engine, esto gracias al hardware de actual generación. Al final, podemos tener nuestras quejas de este Resident Evil 8, pero creo que se nos dio una entrega sumamente digna del fuerte nombre que representa a esta saga.
Insomniac se ha convertido en uno de los estudios más reconocidos y respetados de toda la industria. Es cierto que desde hace una buena cantidad de años, su trabajo siempre había sido apreciado, pero tenemos que reconocer que no fue sino hasta tiempos recientes que dio el paso a esa elite dentro del medio, lo cual, le valió que PlayStation finalmente se animara a comprarlos para unirlos a la familia de estudios que trabajan en exclusiva para la marca. Todos quedamos muy impresionados con su trabajo con Marvel’s Spider-Man en el PS4 y con cómo es que Marvel’s Spider-Man: Miles Morales fue ese primer vistazo a lo que se podía hacer con un PS5, sin embargo, el verdadero reto vendría con su propia franquicia, una con mucho tiempo de historia y que su nueva entrega sería trabajada desde cero para sacar provecho de la nueva consola de Sony.
Los primeros vistazos que se nos dieron a Ratchet & Clank: Rift Apart eran difíciles de creer, pues además de que se notaba un impresionante salto gráfico respecto a cualquier otro título en el mercado, teníamos este elemento particular del cambio de mundos y escenarios sin la necesidad de tiempos de carga ni nada por el estilo. Esos saltos instantáneos entre diferentes niveles eran simplemente impresionantes. Vaya sorpresa la que nos llevamos cuando el juego finalmente se lanzó y nos pudimos percatar de que en efecto, todo lo que prometía Insomniac era completamente real y para rematar, se nos presentaba un fabuloso shooter y platformer que elevaba las mecánicas clásicas de esta franquicia hacia nuevas cosas. El resultado final de este trabajo es dingo de destacar y claro, queda como uno de los grandes momentos de este 2021.
Contrario a lo que muchos podrían pensar, el género de peleas se ha mantenido bastante vigente en la actualidad. Es cierto que no tenemos varios grandes títulos al año, pero la realidad es que cada determinado número de meses, aparece alguno de los grandes para recordarnos por qué es que este tipo de juegos son tan importantes para la historia del medio. Muy probablemente, Arc Systems Works se levanta como uno de los grandes intérpretes de este género en la actualidad, pues además de lograr que sus juegos se vean como nada de lo que hay allá afuera, consigue crear mecánicas sumamente sofisticadas y profundas para los más veteranos y a la vez, hacerlas accesibles para quienes no suelen consumir esta forma de diseño. Justo todo esto representa Guilty Gear Strive, nuevo estandarte de una de las franquicias de culto más veneradas del medio y que en este 2021 debutó con un gran éxito, dejando muy impresionados tanto a propios como a extraños.
Casos como el de Street Fighter V han dejado claro que sin importar qué tan grande sea tu nombre, si tomas las decisiones equivocadas, el público simplemente no te va a perdonar, mucho menos uno tan apasionado y conocedor como el de los juegos de peleas. Entendiendo perfectamente esto, el estudio japonés sabía que una nueva entrega de su serie estrella no podía seguir el camino que Capcom tomó con Ryu y compañía, por lo que mejor se apegó a una forma clásica de hacer las cosas y concentró sus esfuerzos en entregar una experiencia digna de sus fans, pero que también fuera abordable por los nuevos. Guilty Gear Strive consiguió todo esto, siendo uno de esos títulos que le puedes poner a cualquier para que se pasé un gran rato, esto claro, además de dejarlo impresionado por cómo es que se ve y cómo es que se mueve toda su animación. Es un verdadero placer que un representante del llamado fighting genre haya salido tan bien en este año.
Por una muy buena razón, los juegos de anime son considerados como productos de mediana calidad que están fabricados como maquila solo como parte del marketing del producto principal. Por tal motivo, cuando Scarlet Nexus fue mostrado y anunciado como la nueva propuesta de los Bandai Namco Studios, más de uno se fue con la finta de que estábamos frente a otro título basado en un anime que poco valdría la pena cuando en realidad, se trata de una IP completamente nueva que estaba siendo trabajada por un equipo recientemente formado de ex desarrolladores de la serie de Tales of. Poco a poco, dicho estigma se fue alejando del juego gracias que luego de probarlo por poco tiempo, te dabas cuenta de toda la propuesta que tenía enfrente en cuanto mecánicas de juego, diseño de personajes y gráficas, así como de narrativa de ciencia ficción que tomaba riesgos bastante importantes y muy llamativos.
Indudablemente, lo primero que brilla de Scarlet Nexus son sus mecánicas de juego y controles. Toda la idea de poder lanzar objetos para dañar a los enemigos y después combinar estos movimientos con ataques melee usando una espada, simplemente funcionó e hizo que esa repetición propia del género al que representa este título, se difuminara casi por completo. Hablando de géneros, muchos clasifican a este título como RPG de acción y a pesar de que en efecto, cuenta con muchos elementos de esta forma de diseño, creo que más bien estamos frente a un hack & slash bastante moderno e innovador en más de uno de sus elementos. Encima de todo esto tenemos un estilo artístico bastante impresionante y llamativo, así como un relato de ciencia ficción y fantasía que le volará la mente hasta a los más exigentes. De verdad, lo logrado por este nuevo equipo de Bandai Namco es de lo mejor de este año y no podemos esperar a que pronto se anuncie una secuela.
Los milagros dentro de este medio indudablemente existen y para prueba, tenemos el caso de Psychonauts 2. Después de que el primer juego de la serie de Tim Schafer se convirtiera en uno de los más grandes clásicos de culto, se esperaba que pronto tuviéramos noticias de una secuela, el tema es que por momentos, no vemos lo complicado que puede ser conseguir financiamiento para un nuevo título basado en algo que simplemente no encontró un espacio del lado comercial. Apostando por el ya probado crowd founding, Double Fine decidió dar el salto de fe y además de comenzar con el desarrollo de la segunda gran aventura de Raz, anunciarlo públicamente. Los años pasaban e indudablemente, las ambiciones del proyecto y las propias circunstancias de su naturaleza, lo metieron en graves problemas de desarrollo que en más de una ocasión, lo pusieron al borde de la cancelación cuando de pronto, un Microsoft hambriento por ampliar la cartera de los Xbox Studios, llegó para salvarlo todo.
Sí, cuando el desarrollo de Psychonauts 2 se encontraba en uno de sus peores momentos, los profundos bolsillos de Microsoft aparecieron para que Tim Schafer finalmente pudiera hacer que su visión se convirtiera en realidad y que en este 2021, fuéramos testigos del que indudablemente es, uno de los mejores juegos de plataformas en tres dimensiones de todo los tiempos. La cosa con el nuevo título de Raz y compañía es que no solo estamos frente a una experiencia que luce controles muy bien logrados, locas mecánicas de juego y diseño de niveles de alarido, sino que además, se nos presenta un complejo relato lleno de matices que trata temas como el de las enfermedades mentales como muy pocos lo han hecho dentro del medio, esto sin mencionar sus logros a nivel de dirección de arte, actuación y música. Psychonauts 2 es una auténtica joya que todo el mundo debería de experimentar sí o sí.
2021 ha sido un año verdaderamente destacado para los RPG hechos en Japón. Prácticamente desde todos los frentes, tuvimos una o más propuestas que volvieron a dejar claro por qué este género es y seguirá siendo de suma importancia para todo el medio. Indudablemente, Bandai Namco fue uno de los estudios que más aportaron en todo esto, pues lanzaron una nueva entrega de la serie principal de Tales of, evento de importancia mayúscula debido a lo influyente e importante en muchos aspectos que esta serie siempre ha sido. Desde que fue mostrado, sabíamos que había algo verdaderamente especial con Tales of Arise, sin embargo, lo más prudente era mantener algo de escepticismo, pues a pesar de su gran legado, esta serie también ha tenido sus altibajos.
Para fortuna de todos nosotros, cualquier tipo de temor o preocupación que pudiéramos haber presentado, salió volando por la venta luego de pocos minutos con Tales of Arise, juego que podría parecer que va a seguir una línea sumamente tradicional del rol japonés pero que no tarda en dejar claro que está dispuesto a tomar riesgos de nivel narrativo y sobre todo, a poner sobre la mesa nuevas ideas de gameplay que hagan que su propia fórmula alcance más y mejores cosas. Además de un impresionante historia, gran diseño y desarrollo de personajes, y adictivo sistema de combate, tenemos un dirección de arte de alarido que te dejará con la boca abierta en cada momento gracias a la gran forma en la que se presenta cada parte de este fantástico mundo que recorremos y que casi podemos explorar a placer. Sí, todos esperábamos un buen Tales of, pero al final se nos entregó a uno de los mejores juegos de esta añeja franquicia llena de historia.
Cuando Arkane Studios fue comprado por Bethesda hace ya unos años, más de uno nos preguntamos qué es lo que ese importante publisher había visto en el pequeño estudio francés sin historia. Luego de la primera entrega de Dishonored comenzamos a ver las razones de dicho movimiento, y tras completar la trilogía y del la nueva versión de Prey, nos quedó claro que estábamos frente a uno de los desarrolladores con más talento de todo el medio. Por tal motivo, cuando se comenzó a hablar de Deathloop y de su alocada propuesta, no nos quedó más que creer que seguramente seríamos sorprendidos en más de una manera. Por supuesto que no faltó el escéptico que puso en tela de juicio el trabajo de dicho estudio e incluso se dijo “sorprendido” al momento de darnos cuenta de que en efecto, su nuevo juego era algo verdaderamente especial.
Siempre es complicado describir a Deathloop por su inherente complejidad en todos los niveles, pues por un lados tenemos elementos de roguelike y por el otro, está el verdadero rostro de la experiencia que más bien tiene que ver con un immersive sim, especialidad de la gente de Arkane. Justo esa mezcla de sabores es lo que hace tan, pero tan especial a la aventura que vivimos en la isla de Black Reef, pues tenemos a un juego en forma de rompecabezas que puede ser armado en cualquier orden que el jugador quiera, con acciones que de verdad impactan al mundo en el que nos encontramos y por consiguiente, a la intrincada historia que se nos está contando. Además de lo anterior, tenemos un juego de disparos y sigilo en primera persona que funciona mejor de lo que debería y que es brutalmente divertido de jugar. Esta exclusiva del PS5 solo vino a reafirmar la importancia que tiene el trabajo del estudio francés.
La escena independiente se ha expandido tanto en los últimos años que la línea divisoria con el desarrollo tradicional, cada vez se hace más complicada de ver. Es decir, últimamente nos ha tocado ver proyectos indie con presupuestos importantes y con grandes talentos que acaban entregando juegos que parecen haber salido de unos de los estudios más grandes del medio. Ejemplo de lo anterior fue lo conseguido por Ember Lab en este 2021, esto luego de pasar de ser una pequeña empresa de animación, a apostar por un juego que llamó la atención de todos desde que fue revelado por primera vez. Debutar dentro de la industria es algo verdaderamente complicado, pues no importa qué tan bien se vea tu propuesta en sus tráilers y adelantos, el escepticismo va a estar presente y tan solo basta con que a alguien con voz no le guste tu trabajo, para que éste entre en una picada muy difícil de recuperar.
Para fortuna de todos, Ember Lab demostró ser mucho más que solo un estudio especialista en animación, pues además de ser un título que luce verdaderamente hermoso en cada uno de sus momentos, Kena: Bridge of Spirits es un videojuego brutalmente bien diseñado y bien logrado en todos sus apartados, incluso, podría servir de ejemplo para cualquiera que busque que su juego tenga un ritmo y balance correcto. Es verdad que el título innova muy poco y en realidad propone nada nuevo para su género, pero todo lo que hace lo hace de una gran forma, incluso podíamos decir que su combate termina siendo mucho más retador y disfrutable de lo que nos podríamos imaginar. Contrario a lo que se esperaba, la historia terminó siendo un punto débil de este juego, defecto que para nada opaca sus enorme virtudes que lo terminan elevando a un estado de realeza entre los llamados indies.
¿A quién no le gusta una buena sorpresa? La industria de los videojuegos es tan amplia, que resulta imposible seguirle la pista a cada uno de los estrenos que se tendrán mes con mes, por lo que normalmente, cosas como títulos de licencias de juguetes, son completamente ignorados por todos nosotros, esto gracias a que normalmente, son experiencias sumamente pobres debido a que en realidad, solo se tratan de productos de marketing para apoyar las ventas del producto principal. Por tal motivo, muchos solo veíamos de reojo a lo que representaba Hot Wheels: Unleashed, el cual, a pesar de verse bastante bien y con cierto potencial, levantaba muchísimas dudas gracias al propio historial de títulos que han salido a lo largo de la historia de la importante marca de coches en miniatura.
Para rematar todo lo anterior, Milestone, pequeño estudio italiano detrás de algunos simuladores como WRC y Moto GP, era quien se encargaría de que la franquicia de Mattel hiciera un nuevo intento dentro del medio. Oh sorpresa la que todos nos llevamos al darnos cuenta del enorme cariño y pasión que se le imprimió a cada aspecto de Hot Wheels: Unleashed, desde la manera en la que son representados estos juguetes en espacios reales, hasta la forma tan meticulosa con la que fueron construidos los controles, mecánicas y físicas del juego. Sí, lo sabemos, sigue sonando muy extraño que un juego de Hot Wheels esté apareciendo en una lista de Los Mejores Juegos del Año, pero de verdad, éste es una experiencia verdaderamente especial que nos voló la mente a todos los amantes de un buen juego de carreras arcade y claro, a quienes indudablemente le guardamos cariño a la línea de juguetes.
Metroid es de esas series que levanta pasiones especiales comparables con los nombres más grandes de Nintendo y de la industria. Siempre han tenido algo las aventuras de Samus que las diferencia enormemente de cualquier otra propuesta que sea similar. Para prueba de lo anterior, tan solo basta con voltear a ver a la escena independiente, la cual, desde hace ya unos cuantos años, tiene una importante obsesión por el llamado género “Metroidvania”. Todo lo anterior, también representaba un enorme reto y responsabilidad si es que se quería lanzar una nueva entrega de la franquicia de la caza recompensas, pues justamente su forma de diseño, ha evolucionado de diferentes maneras. El estudio elegido para la complicada tarea fue Mercury Steam, el cual, hace unos años ya había demostrado su valía con lo que fue Metroid: Samus Returns, remake de Metroid II que por supuesto, para nada se compara con la responsabilidad de darle vida al llamado Metroid 5.
Pareciera que entender la manera correcta en la que funciona un Metroid 2D tradicional es algo obvio, pero la historia nos ha demostrado que no cualquiera puede interpretar al género de la manera correcta. Los españoles, apoyados y supervisados muy de cerca por el propio Yoshio Sakamoto y en general, por Nintendo de Japón, nos demostraron que ellos pertenecen no solo a los que sí saben cómo darle vida a esta forma de diseño, sino que tienen ideas originales e innovadoras para llevarlo al siguiente nivel. Metroid Dread es un videojuego especial desde que empiezas a controlar a Samus. Sus movimientos son finos, precisos y perfectamente integrados con el ambiente que la rodea. Posteriormente te das cuenta del impresionante trabajo que se hizo en el diseño de los niveles, enemigos y jefes, para después enterarte de lo sensacional que son estas partes de survival horror contra los EMMI. Si a todo lo anterior le sumas una profunda atmósfera que te envuelve y una historia que le da forma a toda la saga 2D de Metroid, tienes como resultado a una auténtica joya que indudablemente ha quedado para la posteridad.
La marca dejada por el monumental fracaso de Marvel’s Avengers de Crystal Dynamics y Square Enix ha sido verdaderamente profunda, tanto para bien, como para mal. Por un lado, el abuso del modelo de negocio conocido como “Juegos como Servicio” queda en evidencia de nueva cuenta y deja claro lo arriesgada que es como apuesta y por supuesto, lo cansado que está el mercado de ver proyectos forzados a esta forma que aportan nada. Del lado negativo, está el duro tema de que una IP tan importante y con tanto potencial dentro el medio, probablemente se quemó y no hay marcha atrás. Debido a todo lo anterior, cuando hace unos meses se nos anunció que el publisher dueño de Final Fantasy volvería a hacer un intento con una franquicia de Marvel sobre un equipo de héroes, una gran duda nos embargó a todos, esto a pesar de que estamos hablando de un estudio como Eidos Montreal y que desde un inicio, se hizo el fuerte hincapié en que este nuevo título se centraría por completo en una experiencia narrativa para un solo jugador, y que para nada se acercaría a lo que se hizo el año pasado con Iron Man, Captain America, Hulk y compañía.
Eidos venía de haber cerrado magistralmente la más reciente trilogía de Tomb Raider, esto sin mencionar su gran historia con Deus Ex, sin embargo, la gigantesca decepción que resultó ser Marvel’s Avengers, nos seguía provocando dudas bastante razonables. Conforme se acercaba la fecha de estreno de Marvel’s Guardians of the Galaxy, los cuestionamientos se fueron despejando, dejando entrever que en efecto, este juego tomaba un camino completamente diferente. Luego de finalmente tenerlo en las manos y de superar su campaña, nos quedó completamente claro que en efecto, el estudio y Square Enix no estaban mintiendo, pues se entregó esa experiencia que muchos estábamos esperando y que le hacía justicia a una serie tan importante. La forma en la que se nos contó este relato basado en Peter Quil y su equipo de bandidos espaciales, superó por mucho las expectativas, además, luce un gameplay sumamente bien logrado y divertido, con gráficas que de verdad se sienten de nueva generación. Todos estos ingredientes terminaron causando que los Guardianes de la Galaxia se convirtieran en el otro lado de la moneda de lo que se sufrió en 2020, así como en dignos acompañantes del Spider-Man de Insomniac en este universo de Marvel dentro del gaming.
Cuando el Nintendo Switch se estaba lanzando en marzo de 2017, Atlus anunció que la siguiente entrega numérica de la serie principal de Shin Megami Tensei, estaría llegando en exclusiva a dicha consola, esto luego de que claro, el cuarto juego solo salía en el 3DS de la empresa de Mario, casi como si el publisher ya supiera perfectamente que la híbrida de la Gran N se convertiría en el éxito comercial histórico que es actualmente. Los años pasaban y sabíamos muy poco del proyecto, el cual, claramente estaba avanzando mucho más lento de lo que se tenía anticipado. Finalmente llegó el pasado 11 de noviembre y Shin Megami Tensei V se lanzó al mercado, esto medio de un año bastante intenso para los RPGs japoneses y por consiguiente, con un montón de material para compararlo. Al final, los también padres de Persona dejaron claro quién es quién dentro del negocio al entregar a un intérprete del género que en todo momento está buscando llevarlo hacia más y mejores cosas.
El propio ambiente y contexto sobre el que está construido Shin Megami Tensei V, puede ser bastante intimidante para cualquiera, pues en efecto, estamos frente a una de las formas más hardcore y retadoras que uno se puede encontrar dentro del rol japonés por turnos. Sí, el nuevo título de esta importante franquicia no es para todos y para nada se lo recomendaríamos a alguien que no suele jugar RPGs; no obstante, justo ahí es donde recae su verdadero valor, pues nos presenta un muy sofisticado sistema de combate que pondrá a prueba tu habilidad para realizar estrategias que sean efectivas. Además, el cambio de calabozos cerrados por estas amplias áreas que son casi mundos abiertos, hacen que el sentimiento de exploración sea el más intenso que la serie haya visto en toda su historia. Hablando de historia, MegaTen V nos cuenta un apasionante relato lleno de referencias a mitologías de todo el mundo que se mezclan a la perfección. Claro que también es imposible no hablar de las complicaciones técnicas que el juego presenta mayormente relacionadas con las limitaciones del Switch, sin embargo, creemos que estos defectos para nada son suficientes para opacar el enorme logro que representa un título como este.
