Durante los últimos cinco años, el público que consume películas japonesas animadas en los cines ha crecido a pasos agigantados. Desde filmes de autor hasta los blockbusters de Tokio, la oferta ha ido satisfaciendo a la demanda.
Es por ello que nos decidimos a mirar un poco hacia atrás (además de unos casos recientes y excepcionales) que nos han llevado hasta la escena que vivimos.
Esta es nuestra selección de las 25 mejores cintas anime.
25.- Tekkonkinkreet (2006)
Cuando Michael Arias se mudó a Japón, quizás no imaginaba que se convertiría en su vínculo con EE.UU., uno que daría como resultado The Animatrix en 2003. Su fascinación por el manga lo llevaría a conocer al creador de Tekkonkinkreet, obra de la cual se encargaría llevar a la pantalla grande.
Su origen no estaba peleado con su capacidad para adaptar una historia japonesa, por el contrario, aportó un estilo visual y de cámara que combina la arquitectura de Asia oriental y Europa del Este, un título que de por sí era intrincado.
La cinta tiene como protagonistas a Kuro y Shiro, dos niños que protegen Treasure Town de una banda de yakuza que desea convertir su hogar en un parque de diversiones. En Tekkonkinkreet hay mucha acción y frases que atrapan, simbolismos y una mezcla de estilos que asombró en su momento. Además es prueba fehaciente de que dos culturas pueden estar unidas por el arte.
24.- Anthem of The Heart (2015)
Jun es una chica que, debido a un trauma de la infancia, ha vivido sus días casi sin hablar, pero cuando sus compañeros de clase deciden crear un festival de música se verá en la necesidad de cambiar su forma de ser. Lo que suena como una historia simple se vuelve memorable gracias a la madurez de su guionista, Mari Okada, quien tiene entre sus obras más notables aportaciones a Fate/stay night, el New Kyoto Arc de Rurouni Kenshin y recientemente Iron-Blooded Orphans de Mobile Suit Gundam, ya que veremos como Jun tiene que enfrentar sus más grandes miedos, pero viviendo con las consecuencias de no haberlo hecho antes.
Así Okada-san y Tatsuyuki Nagai, su director, presentan una cinta de amistad y amor juvenil que ofrece un toque de realismo que ni siquiera las series para adolescentes de occidente plantean, dándole un lugar especial en la animación nipona sin importar que haya sido lanzada hace apenas un par de años.
23.- Wolf Children (2012)
Si existe un amor dispuesto a darlo todo es el de una madre y en Wolf Children, combinado con la fantasía y el diseño de personajes de la mano de Yoshiyuki Sadamoto (Neon Genesis Evangelion) crean una obra que te hará llorar a moco tendido. En esta cinta conocemos a Hana, una jovencita que se enamora de un hombre lobo y da a luz a dos pequeños, Yuki y Ame, quienes heredan la naturaleza de su padre.
Hana es todo salvo la mujer ejemplar que las tradiciones japonesas dictan; sí, ama a sus hijos, pero una y otra vez tropieza para llevarlos por el buen camino. Wolf Children es un retrato de amar y dejar ir, de abrazar a los hijos y permitirles crecer, de notar cómo una madre está dispuesta a mentir por dar cobijo a sus pequeños. Aquí hay un retrato mágico y especial de la maternidad y la madurez de un hijo.
22.- Sword of the Stranger (2007)
Cuando se habla de películas animadas de acción, ésta debe ser una de las esenciales pues su secuencias están coreografiadas como muy pocas lo han hecho. Masahiro Ando pone en práctica, ya como director, lo aprendido en la película de Cowboy Bebop, Metropolis de Katsuhiro Otomo y Ghost In The Shell en una aventura que no falla a la hora de mantenerte entretenido.
El pequeño Kotaro huye junto a Tobimaru, su pequeño amigo canino, para encontrarse con Nanashi, un ronin que terminará ayudándolo a defenderse del ejército chino. Por supuesto, esta es una más de esas situaciones de “niño valioso para un gobierno poderoso”, pero sus personajes crean una sinergia excepcional que se disfruta mucho, ¡y ni hablar de las secuencias de acción!
Ya que se sitúa en un Japón feudal, el diseño de escenarios es una delicia y uno de los mejores que hemos apreciado, lo cual aunado al carisma de sus personajes y las katanas afiladas a la orden del día, lo convierten en un básico del género de acción.
21.- Mindgame (2004)
Si has visto y te gustaron series como FLCL (2000) o Paranoia Agent (2004) te sentirás como pez en el agua con Mindgame, una maraña de situaciones hilarantes creadas por Masaaki Yuasa.
Yuasa-San venía de ser cabecilla de diseño y director de algunos episodios en series de los 90 (incluso realizó Crayon Shin-chan) pero su técnica en esta cinta lo consolidó para siempre.
Lo cierto es que hay poco con qué compararlo, ya que utiliza un montón de técnicas de animación distintas que son las protagonistas verdaderas de la cinta, no la trama. Después de todo, ¿qué sentido puede tener huir de los yakuza después de declararte a tu amor de la infancia?
20.- Colorful (2010)
En una sociedad donde el éxito desde una edad temprana es vital, Colorful es una perspectiva perturbadora y diferente sobre el suicidio. Makoto terminó con su vida, pero eso no le permitió descansar; enviado a ocupar el cuerpo de otro niño que pronto piensa hacer lo mismo, podríamos pensar que es una historia de redención, pero es todo lo contrario.
Su guionista Miho Maruo hace una gran labor al adaptar la novela original de Eto Mori, pues nos presenta a un Makoto que no busca hacer lo moralmente correcto; por el contrario, vemos un alma adulta perturbar a una joven, con un final impactante.
Al terminar el día, Colorful es un drama adulto, nunca condescendiente, en un mundo que abundan las historias rosas y sin consecuencias graves.
19.- Steamboy (2004)
Del creador de una de las obras maestras de la animación, Katsuhiro Otomo, esta es una de sus obras que, si bien no resalta mucho por su trama, sí lo hace a un nivel técnico. Este proyecto, ambientado en la época de la Revolución Industrial en Inglaterra, nos muestra un mundo de vapor en el que Ray Steam *guiño guiño* recibe un valioso objeto de su familia, el cual tiene la capacidad de alimentar a cualquier máquina de vapor, solo para desatar una guerra por el poder contra la corporación O’Hara.
En efecto, el desarrollo de la trama no es sorprendente, pero sí el que Otomo-san haya decidido presentar una locación meramente occidental, con personajes y nombres europeos, así como la exquisitez de su animación que llegase a tardar cerca de 10 años debido a que Katsuhiro-san no quiso apresurar a su equipo.
Steamboy es, a nuestros ojos, una de las mejores representaciones de la era del vapor no solo de la animación, sino de la cinematografía en general, y por supuesto, algo que solo un genio de la talla de Otomo-san podría haber alcanzado.
18.- Interstella 5555: The 5tory of the 5ecret 5star 5ystem (2003)
No podíamos dejar fuera el legendario Leiji Matsumoto; lo difícil fue elegir cuál de sus obras sería la ideal. A nuestro parecer, esta colaboración (como ninguna otra en el medio) se torna excepcional no sólo por la música de la banda Daft Punk, sino darle vida al álbum a pesar de carecer de diálogos entre sus personajes.
La cinta narra la captura de una banda por humanos, transformados, para servir a los planes de una organización maligna. No es algo fuera de la regla, pero sí que exista una colaboración de este tipo (se estima que costó 4MDD) entre Francia y Japón como parte esencial de un disco de música electrónica.
Toei Animation simplemente nos quitó el aliento cuando vimos los trazos de Matsumoto-San en la pantalla de MTV, para luego hacer público que se trataba de una cinta completa, ya imprescindible en la cultura pop.
17.- A Silent Voice (2016)
De Naoko Yamada, su directora, habíamos visto muy poco; pero eran todavía menos las personas que se imaginarían el fervor que causaría esta cinta al hablar del acoso escolar y la depresión.
En K-On! y Tamako Love Story, Yamada-san mostraría romance adolescente y comedia, pero no el drama de Shouya y Shoko al ser segregados por sus compañeros de clase y crear conflicto entre sus familias.
Puede que para algunos sea demasiado pronto para estar en nuestra lista, pero si vemos más allá del fenómeno cultural, A Silent Voice funge como radiografía social de un problema que cada día cobra más vidas, llegando al punto de crear conciencia en su audiencia. ¿O no?
16.- The Super Dimensional Fortress Macross: Do you remember love? (1984)
“La” serie de culto para los fans de la ciencia ficción animada, así como el triángulo amoroso más famoso de Japón, llegaron a mediados de los 80 en esta adaptación de la serie que, más que una epopeya espacial, es un ícono del género.
Aquí, a diferencia de la serie, Hikaru ya está viviendo la guerra contra los Zentradi, su superior Misa muestra un lado más sensible y Lynn Minmay está consolidada como diva intergaláctica, por lo que sus 120 minutos de duración son pocos. Eso sí, ayuda a que todo tenga un mejor ritmo y acentuar aspectos importantes en la saga, como el conflicto política con los Zentradi, el deculture y la ignorancia.
Macross nos deja una enseñanza importante, más allá de las bellas canciones de Kentaro Haneda o la cúspide de Mari Iijima en el tema original de la película, sino al preguntarnos qué tan diferentes seríamos de las razas que se ocultan en los confines del universo.
15.- The Disappearance of Haruhi Suzumiya (2010)
La serie antológica de Nagaru Tanigawa revolucionó el anime, manga y novela ligera hace más de 10 años. Tras el éxito arrasador de la animación llegaría esta película que, a diferencia de la serie con un protagonismo marcado de Suzumiya-San y la SOS Brigade, aquí es ella quien ha desaparecido y solo Kyon la recuerda.
De nuevo, Kyoto Animation hace una labor excepcional en sus 160 minutos de duración, los cuales explican por completo la cuarta novela en la cual está basada. Para los fans del Hare Hare Yukai poco hay del humor en la serie, sino un lado más maduro y hasta existencial donde Kyon se pregunta qué sería de su vida sin conocer a Haruhi.
¿Qué es entonces lo que la pone al nivel de otros grandes proyectos? Que parece haber desechado todo por lo que amamos el anime y muestra una faceta más misteriosa y personal de Kyon, sin abandonar a una de las chicas favoritas de la cultura pop nipona.
14.- Belladonna of Sadness (1973)
El título más experimental en nuestra lista es también el más antiguo, pero que solo ha ayudado a que sea apreciada todavía más. Belladonna of Sadness es una película de Eiichi Yamamoto y es considerada un estandarte del pinku eiga, un “género” que no tiene equivalencia en ninguna otra región del mundo y se refiere a las distintas maneras de representar el erotismo en Japón sin mostrar genitales.
El erotismo de la cinta proviene de sus bases, Satanism and Witchcraft de Jules Michelet y que reúne prácticas oscuras en la Edad Media, las cuales se utilizarán como medidas desesperadas (¿o naturaleza humana?) por Jeanne, una novia que es abusada sexualmente por el general de su aldea la misma noche de su boda.
Belladonna of Sadness es perturbadora, pero no carece de sentido; por el contrario, la belleza de su animación sólo contrasta con las situaciones horribles de violencia y hostigamiento, que representados como un sueño, son una pesadilla color rosa. No existe absolutamente nada como esta cinta en el mundo, al punto en que forma parte de la reconocida Criterion Collection, quienes apoyaron su restauración en formato 4K en 2015.
13.- Cowboy Bebop: Knockin’ On Heaven’s Door (2001)
Faye, Spike, Jet y Ed abordan de nuevo el Bebop en lo que parece ser una cacería más, sin saber que esto tendrá implicaciones morales para todos ellos. En una festividad se ha utilizado un arma química y, tras ponerle precio a la cabeza del causante, el grupo podría resolver sus problemas de dinero. O eso es lo que creen.
No se trata de un episodio separado de la serie o un recuento, sino de una situación que ocurre (cronológicamente) entre los episodios 22 y 23, pues en palabras de Shinichiro Watanabe, su director, a cada capítulo se le daba un tratamiento por separado.
La animación es una de las mejores a inicios de la década, incluso si la ves en estos días podrás ver lo bien que ha envejecido; el arte sigue luciendo espectacular y la música de Yoko Kanno (Wolf’s Rain, The Vision of Escaflowne) es tan bella como la recordabas.
Pero ese no es el motivo principal por el que está en nuestra memoria, sino por Vincent, el villano que con la pregunta “¿qué es real y qué no?” no termina siendo un megalómano cualquiera, sino uno sólido y que habrá de cuestionar incluso a nuestros aventureros.
12.- Ghost In The Shell (1995)
Lo vamos a poner así; la mejor analogía para Ghost In The Shell (GITS) de Mamoru Oshii es The Matrix de las Wachowski; así de importante es la existencia de la cinta y el manga en el panorama mundial de la ciencia ficción. Original de Shirow Masamune, GITS es una de las mejores representaciones de género donde la pregunta constante “qué es lo que nos hace humanos” solo gana relevancia en 2017.
Motoko Kusanagi es una agente que lidera la investigación tras el control de androides, quienes operados a larga distancia, son utilizados para cometer crímenes. Pero eso es solo la superficie de la trama, pues se desarrollará una conspiración política y social donde solo hay una persona moviendo los hilos para su propio beneficio.
Como protagonista, Kusanagi lidia con sus propios demonios al no saber definirse como una humana o ginoide, o siquiera qué partes pueden considerarla así. Todo lo anterior, acompañado de una animación bien elaborada y un gran trabajo de actuación de voz, convierte a Ghost in the Shell en un título imprescindible.
11.- Paprika (2006)
Si existe un creativo que será extrañado en el mundo de la animación ese es Satoshi Kon. Una de sus últimas obras, Paprika, es considerada por muchos el pináculo del surrealismo animado, comparado con Inception (2010) de Christopher Nolan.
Satoshi-San nos lleva de viaje entre el mundo de Morfeo y la realidad, cuando un artefacto llamado Mini DC, capaz de introducirte en los sueños, es robado. Temerosos de que haya caído en malas manos, el equipo de Atsuko, Tokita y Shima deciden inducir el sueño a Atsuko en busca del culpable como Paprika, una chica alegre y activa que no es más que su personalidad contraria.
Aunque suene sencillo, la cacería es una verdadera locura; en la misma secuencia podemos ver el plano de la realidad y lo onírico, cayendo en situaciones contradictorias que, técnica y artísticamente hablando son fabulosas.
Mucho se ha debatido sobre el género de Paprika; sí es una aventura, pero de tinte maduro; también un thriller, aunque tiene momentos de comedia; tampoco se olvida del terror con elementos que pueden perturbar al espectador. Es por ello que lo mejor es no ponerle una etiqueta y tomarla como una fantasía, de tono maduro, donde el grosor de la línea que divide los sueños de la realidad se diluye por completo.
Actualización: Este listado no incluirá películas de Studio Ghibli.
Continuará…
