Xbox ha tenido una generación bastante complicada. Pese a la compra de grandes estudios, el flujo de juegos no ha sido óptimo, e incluso cuando por fin nos entregan algún título, parece que siempre hay alguna controversia que estropea su reputación. Por cada Hi-Fi Rush y Forza Horizon 5, hay un Halo Infinite o Redfall, entregas que, lamentablemente, decepcionaron a más de una persona. Sin embargo, el futuro de la compañía es esperanzador, y es que, al final del día, los equipos que están bajo el estandarte de Xbox Game Studios tienen mucho talento. Uno de estos grupos es MachineGames, quienes se han encargado de la serie de Wolfenstein en el pasado, y ahora nos han entregado una experiencia AAA utilizando la propiedad de Indiana Jones, algo que en su momento fue recibido con muchas dudas, pero que actualmente es una de las cartas más fuertes para el Xbox Series X|S y Game Pass.
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Hironobu Sakaguchi es una de las personas más importantes en la industria de los videojuegos. Su trabajo con Squaresoft durante las décadas de 1980 y 1990 logró popularizar a los JRPG en occidente. El impacto de los Final Fantasy en los que participó es sumamente importante, ayudando tanto al Super Nintendo y al PlayStation a convertirse en las consolas más populares de sus respectivas generaciones. Sin embargo, tras su salida de Square Enix, muchos le perdieron la pista, y es que su trabajo con Mistwalker, el estudio que creó después de dejar a la compañía japonesa con la que muchos lo asociaban, nunca alcanzó la popularidad de sus previas obras. A pesar de ello, fue capaz de entregarnos algunos de los exponentes más interesante del género durante una época en donde el estilo tradicional del JRPG estaba decayendo en occidente, y es algo que continúa haciendo hasta el día hoy.
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Todo tiene un origen. Aunque en pleno 2024 damos por hecho muchos aspectos que vemos en múltiples juegos, la realidad es que casi todas las ideas y conceptos que podemos apreciar en experiencias modernas nacieron hace 40 o 50 años en títulos poco accesibles en estos momentos. Un ejemplo de esto son los JRPG. Pese a todas las variaciones que encontramos actualmente, podemos señalar a Dragon Quest de Famicom como el trabajo que sentó las bases del género como lo conocemos hoy en día. Si bien es cierto que el trabajo de Yuji Horii está a su vez inspirado en Ultima y Wizardry, el título de 1986 logró simplificar y hacer más accesible muchos de los aspectos que encontrábamos en los títulos de PC en ese entonces, logrando que las mecánicas de Dungeons and Dragons fueran más fáciles de entender para el público en general. A su vez, Dragon Quest III se encargó de perfeccionar la aventura que comenzó en Alefgard.
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La experimentación es una necesidad en esta industria. Si bien es cierto que mantener un estilo constante es importante, salir de la zona de confort da pie a que ciertas series se mantengan vigentes, y en dado caso de no hacer esto, se corre el riesgo de estancarse y perder el interés del público. Una de las propiedades que más ha sufrido esto es Metal Slug. Aunque las aventuras de Marco y compañía son recordadas con cariño, la realidad es que su popularidad sufrió una caída sustancial después de la tercera entrega, justamente cuando SNK dejó el desarrollo en las manos de equipos externos por sus problemas financieros a finales del siglo XX y principios del XXI. Aun así, el nombre de Metal Slug sigue teniendo un gran peso, y gracias al trabajo que ha hecho Arcade Archives en los últimos años, más y más jugadores han tenido la oportunidad de experimentar esta serie en plataformas modernas, lo cual ha revitalizado la popularidad de esta propiedad, dando pie a un nuevo juego.
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A lo largo de los años, hemos creado un sistema en donde todo lo catalogamos como bueno y malo. Como el Ying y el Yang, hay aspectos positivos en experiencias que muchos consideran terribles, y también hay puntos negativos en el arte que señalamos como sublime. Sin embargo, la realidad es mucho más complicada. Nuestras emociones van más allá de una visita en blanco y negro, y cuando indagamos en el espacio que hay en medio encontramos muchos productos que son peor o mejor de lo que una simple descripción de “bueno y malo” pueden lograr. Cuando hablamos de juegos AAA usualmente la escala se balancea a uno de los dos extremos, pero cuando nos topamos con proyectos de menor presupuesto, las sorpresas de todo tipo son más comunes y, lamentablemente, Bandai Namco le ha apostado al bando equivocado.
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Los videojuegos, por lo general, son divertidos. Pese a que los estudios nos entregan diferentes experiencias constantemente, el factor de entretenimiento es algo que siempre debe de estar presente de alguna forma u otra. Cuando pensamos en este tipo de títulos, el nombre de Nintendo indudablemente viene a nuestra mente. A lo largo de los años, la compañía japonesa se ha encargado de entregarnos series que son capaces de traer alegría a grandes y chicos. Lo mejor de todo es que algunas de estas franquicias se pueden disfrutar en compañía de amigos y familiares. Si bien nombres como Mario Kart y Super Smash Bros., son los ejemplos perfectos para algunos, solo una ha causado risas explosivas y riñas capaces de fracturar alguna relación, al menos por un momento. Nos referimos a Mario Party.
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¿Por qué jugamos? Es una pregunta simple que en muchas ocasiones resulta en una respuesta complicada. Para muchos, este medio de entretenimiento es justamente eso, entretenimiento. Para otros es una forma de interacción social que nos conecta con personas al otro lado del mundo que comparten nuestros gustos. Algunos probablemente dirán que tener un PlayStation 5 o Nintendo Switch les da acceso a un mundo sin igual que les hace volar la imaginación. Sin importar cuál sea la razón, experimentar cosas nuevas es una constante de la cual es imposible escaparse. Esto va más allá de simplemente convertirnos en un italiano que consume hongos, sino que algunos estudios están enfocados en que salgamos de nuestra zona de confort, y en el camino probar algo que probablemente estaba fuera de nuestro alcance. Si bien hay múltiples ejemplos de esto, uno de mis favoritos es Gris por parte de Nomada Studio.
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Desde principios del siglo XXI, Atlus se ha posicionado como una de las compañías más aclamadas de esta industria. Gracias a las series de Persona y Shin Megami Tensei, millones de jugadores han sido expuestos a algunos de los mejores JRPG disponibles actualmente. El curriculum de este equipo se ha caracterizado por un sistema de combate retador y entretenido, así como historias con temas que exploran múltiples aspectos de la sociedad y religión contemporánea. Sin embargo, trabajar bajo estas reglas ya establecidas puede llegar a ser algo restrictivo para los desarrolladores, quienes no solo desean expandirse a nuevos horizontes, sino que también buscan explorar un territorio nuevo para ellos; uno que sea capaz de otorgarles la libertad creativa de combinar ideas, presentar conceptos nuevos, e innovar en apartados que muchos ya podrían considerar perfectos. Este fue el objetivo principal de Katsura Hashino al crear Studio Zero.
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Si bien el DLC es algo que asociamos con las últimas generaciones de consolas, en donde las compañías aprovechan las ventajas que proporciona el internet para entregarle al público algún tipo de expansión por medio de pases de temporada o actualizaciones gratuitas, la idea de agregar más contenido a un juego no es algo reciente. En su momento, múltiples estudios optaban por relanzar cierto título con una serie de mejoras, así como un agregado completamente original. Dentro de esta lista, el nombre de Atlus resalta inmediatamente. Durante la época del PlayStation 2, cada una de las experiencias desarrolladas por el estudio japonés, eventualmente, obtenían una versión mejorada que le dio a los jugadores la oportunidad de disfrutar de un final adicional, personajes extra o, en el caso de Persona 3, gozar de un epílogo.
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Aunque uno podría llegar a pensar que un videojuego tiene que apelar a los gustos del público en general para ser un éxito, esto no siempre es necesario. En más de una ocasión, una idea o un concepto único puede ser más que suficiente para atraer la atención de un nicho. Esto se puede ver claramente con los juegos de deportes y carreras. No todos son fanáticos del mismo pasatiempo, pero es indudable que hay un grupo de personas lo suficientemente amplio para ameritar una experiencia interactiva de algún tipo. Es así que un juego sobre camiones monstruo, algo que puede ser alienígena para personas fuera de Estados Unidos, tiene el potencial de vender miles o millones de unidades, siempre y cuando un buen equipo esté detrás del volante, como es el caso de Milestone.
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Pese a que su popularidad ya no es lo que era, es innegable el impacto que la serie de Age of Empires ha tenido para los juegos de estrategia en tiempo real, o RTS. Desde su llegada a las PC en 1997, el trabajo de Ensemble Studios se caracterizó por ofrecer experiencias únicas que, con cada nueva entrega, mejoraron sus ideas originales, y eran capaces de redefinir el género de una forma sustancial. El salto que vimos entre los primeros dos títulos en la franquicia fue enorme, por lo que cuando fue momento de dar el siguiente paso, el estudio no optó por simplemente hacer Age of Empires III, sino que enfocó todos sus esfuerzos en un spin-off que fuera capaz de demostrar que el equipo tenía el potencial de explorar nuevos territorios, sin abandonar todo lo que ya habían hecho. De esta forma, en el 2002 vimos el lanzamiento de Age of Mythology, entrega que aún mantenía la fórmula que los catapultó al estrellato, pero ahora con un enfoque en las leyendas y mitologías del mundo.
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A lo largo de las décadas, Square Enix se ha encargado de crear y nutrir múltiples franquicias dedicadas a explorar las diferentes posibilidades que los JRPG ofrecen. Algunos de estos proyectos han perdurado por años, como Final Fantasy, mientras que otros han tenido una serie de problemas para adaptarse a la modernidad, como es el caso de SaGa, franquicia que ha vivido de remasterizaciones y ports desde hace tiempo. Aun cuando todo parece perdido, siempre existe la posibilidad de que la compañía japonesa le dé una segunda, o tercera, oportunidad a una de sus propiedades con una base de fans pequeña, pero bastante vocal. Este es el caso de Seiken Densetsu, o Mana, la cual está de regreso después de casi 20 años sin una nueva experiencia en forma.
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Asia se está convirtiendo en una potencia en la industria de los videojuegos. Durante mucho tiempo, estudios provenientes de China y Corea del Sur se han especializado en títulos móviles, MMOs, y experiencias que eran de nicho en sus países. Después de años recluidos detrás de sus bordes y la seguridad de la que siempre han gozado, estudios como Shift Up están mirando a los mercados internacionales. Sin embargo, para lograr el éxito deseado necesitan jugar al mismo nivel en el que compañías de Japón, Estados Unidos y Europa han estado por años. Esto puede sonar más fácil de lo que en realidad es. No solo basta con tener los recursos necesarios para hacer uso de tecnología de punta, sino que es necesario resaltar de una forma única, ya sea que estas nuevas propuestas se encarguen de ofrecer algo nunca antes visto, o simplemente hagan muy bien su trabajo. Junto a esto, hay un elemento que poco se ha explorado, pero tiene un gran valor, y se trata de la representación cultural que cierta nación tiene.
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La escena independiente de los videojuegos tiene una libertad que la industria AAA no posee. Múltiples estudios son capaces de experimentar constantemente con diferentes ideas. Dentro de este grupo, el nombre de Thunderful siempre ha dado mucho de qué hablar. En 2010 nos entregaron SteamWorld Tower Defense para el Nintendo DS. Si bien esta entrega no es recordada con cariño, y ni siquiera está disponible en estos momentos de manera oficial, nos dio la oportunidad de visitar por primera vez este mundo habitado por robots de vapor, y dio pie a una serie que sigue vigente hoy en día. Desde ese momento, el equipo se ha dado a la tarea de explorar diferentes géneros, todos y cada uno con una aproximación que, si bien no ofrece algo completamente nuevo, cuentan con un carisma sin igual con el cual han sido capaces de ganarse el corazón de miles de fans, creando un séquito que no puede esperar para disfrutar del siguiente capítulo en esta extensa saga de que combina el steampunk con los vaqueros, la época medieval, y el futuro distante.
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Capcom está viviendo una de sus mejores épocas. Desde el lanzamiento de Resident Evil VII, la compañía ha logrado éxito tras éxito. Es impresionante la forma en la que la mayoría de sus trabajos de los últimos años han logrado ventas millonarias, o se han posicionado como experiencias que todos los jugadores deben de experimentar. Claro, este camino no ha estado libre de tropiezos, como lo fue Exoprimal, y aún así no fue suficiente para afectar su racha. Esto ha traído consigo una serie de ventajas. No solo los equipos de desarrollo han obtenido mayores presupuestos y más tiempo para hacer sus visiones una realidad, sino que la empresa está dispuesta a darle la oportunidad a proyectos un poco más pequeños y arriesgados, aquellos que no garantizan millones de copias vendidas, pero que tienen el potencial de convertirse en obras de culto que muchos recordarán en un futuro.
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El mercado de los juegos free-to-play es extenso. Parece que cada día surge un nuevo título enfocado en convertirse en la siguiente obsesión del público en general. Aunque uno podría llegar a pensar que un modelo de negocio tradicional, en donde los usuarios tienen que pagar $60 dólares por cierta experiencia, es la opción optima para los desarrolladores, para muchos es mejor crear un título gratuito en donde los usuarios constantemente inviertan pequeñas cantidades de dinero bajo la promesa de obtener contenido adicional. En este aspecto, la compañía que mejor hace este trabajo es, sin lugar a dudas, miHoYo.
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El mercado móvil es una bestia diferente a lo que encontramos en consolas y PC. Si bien compañías como Capcom y Ubisoft han llevado experiencias AAA a esta plataforma, como Resident Evil Village y Assassin’s Creed: Mirage, estos son casos especiales, y no representan los títulos que usualmente encontramos en tiendas como la App Store y la Google Play Store. El objetivo del público que goza de estos juego es encontrar una distracción, una que sea gratuita y no requiere de un gran compromiso de su parte. Títulos como Candy Crush o Marvel Snap funcionan porque los usuarios simplemente les tienen que prestar atención por un par de minutos antes de regresar a su rutina. Aunque hay casos exitosos de entregas que son capaces de funcionar tanto en la esfera del mundo móvil como en la tradicional, como Genshin Impact, pocos son los ejemplos en donde una juego de para iPhone funciona en algo como el PlayStation 5.
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Poco son los juegos capaces de definir por completo a una generación. Desde el 2009, tras el lanzamiento de Demon’s Souls, FromSoftware se ha posicionado como uno de los pocos estudios capaces de lograr esto. El RPG de PlayStation 3 brilló, no solo por su sistema de progresión y cautivador combate, sino por lo difícil que es. Con la llegada de Dark Souls, todos los elementos que fueron del agrado del público evolucionaron significativamente, al grado de que otros equipos comenzaron a imitar el diseño y el reto que las experiencias dirigidas por Hidetaka Miyazaki le ofrecen al público, creando lo que muchos consideran el subgénero de los Soulslike. Todo culminó en el 2022, cuando este grupo nos entregó una de las mejores experiencias disponibles hoy en día.
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Atlus es uno de los estudios más aclamados de Japón en estos momentos, pero esto no siempre fue así. Desde la década de los 80, este equipo se ha encargado de crear experiencias únicas, las cuales exploran temas e ideas que rara vez veíamos durante esos años, e incluso hoy en día son una anomalía, al menos en el mercado AAA para los jugadores en general. No fue sino hasta mediados de los 2000 que lograron obtener un decente nivel de reconocimiento gracias a títulos como Shin Megami Tensei III y Persona 3. Desde entonces, este equipo se ha encargado de expandir sus conceptos en proyectos a gran escala que, con el paso del tiempo, han logrado popularizar estas franquicias, pero siempre hay espacio para mejorar, como Shin Megami Tensei V lo dejó claro en su momento.
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La industria independiente está llena de sorpresas. Mientras que la escena AAA está viviendo una de sus mayores crisis en la historia, los pequeños equipos nos demuestran que este medio de arte y entretenimiento aún tiene mucho que ofrecernos, ya sea que estas propuestas vengan de la mano de un famoso desarrollador que optó por comenzar desde cero una vez más, o un joven que pasó los últimos años de su vida trabajando en un proyecto sin la ayuda de alguien más. Si bien hace un par de años era imposible enfocarse en este tipo de experiencias, debido a que se hundían en el océano de propuestas que vemos cada día, actualmente servicios como Xbox Game Pass y PlayStation Plus permiten que estas interesantes propuestas lleguen a las manos de todos los interesados. Este es el caso de Animal Well, el cual se posiciona para ser uno de los mejores juegos independientes del 2024.
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Hoy en día, el lanzamiento del juego no es el final de una producción. Conforme los costos de desarrollo aumentan considerablemente cada año, las compañías se ven en la necesidad de reutilizar todo lo que han creado para ofrecer algo nuevo y venderlo como contenido adicional. Si bien esta práctica no es nueva, desde las últimas dos generaciones, el DLC se ha convertido en algo más que solo una misión adicional o una pequeña revisión. En el caso de Final Fantasy XVI, Creative Business Unit III logró entregarnos una aventura completa en su momento, y si bien la experiencia principal dejó la puerta abierta para responder un par de dudas, la aventura de Clive y Joshua concluyó de una forma definitiva y satisfactoria, por lo que fue una grata sorpresa esuchar que Square Enix estaba trabajando en dos expansiones enfocadas a la historia de este título.
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La industria de los videojuegos, por años, fue dominada por Japón y Estados Unidos. La mayoría de los estudios que recordamos con cariño de los 80s y 90s nacieron y crecieron en estas dos naciones. Si bien es cierto que hubo varios equipos en Europa que llamaron la atención durante esta época, no fue sino hasta la llegada del nuevo siglo que desarrolladores provenientes del viejo continente se robaron la atención del público en general. Ahora, actualmente estamos viendo cómo las miradas internacionales se sitúan sobre Asia. Durante las últimas dos generaciones, nombres como Tencent y miHoYo, los cuales provienen de China, han obtenido un alto nivel de reconocimiento. Sin embargo, Shift Up es, probablemente, el más llamativo de esta nueva oleada de compañías, y todo se debe a su primer AAA para los jugadores a nivel mundial, Stellar Blade.
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Cuando hablamos de juegos independientes, hay muchas ventajas que este tipo de desarrollos ofrecen, siendo la libertad creativa uno de los aspectos más llamativos de esta industria. Una simple mirada al portafolio de publishers como Annapurna Interactive, Team 17, Chucklefish y Devolver Digital nos muestra un sin fin de experiencias únicas con ideas excepcionales. Siempre es interesante dejar de mirar a la escena AAA por un momento, y apreciar todo lo que un pequeño equipo puede ofrecer sin la necesidad de tener que cumplir con ciertos parámetros financieros, o atraer al público en general. Sin embargo, esto también significa que el soporte financiero no es tan grande, lo cual da como resultado juegos de corta duración, y propuestas que no van más allá de su concepto inicial, incluso cuando lo que ofrecen es espectacular.
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Toda compañía de videojuegos tiene sus franquicias de nicho, aquellas que son bien apreciadas pero que no tienen el desempeño comercial esperado, como ejemplo tenemos a Punch Out! de Nintendo, Parappa The Rapper de PlayStation y en el caso de Capcom, Dragon’s Dogma, un RPG que tal vez llegó en el momento incorrecto, lo cual es un tanto injusto para este proyecto que se quedó en la mente de quienes sí lo jugaron. A pesar de tener un recibimiento escaso, se siguió haciendo la lucha por darle un espacio entre las sagas más queridas, ya sea con su expansión llamada Dark Arisen y la tan pedida versión online. Esto ayudó sin duda a que la IP se expandiera poco más, pero no llegando a los niveles de Monster Hunter o Street Fighter, por lo que una vez más los seguidores se quedaron sin nada en cuanto a anuncios sobre lo que ya parecía una franquicia olvidada. Para fortuna de muchos, las cosas no terminaron ahí, ya que después de algunos rumores esperanzadores, en un evento oficial de Capcom en el 2022 se anunció algo que no se veía venir, la secuela oficial que se había pedido por años. Esto mantuvo a la gente a la expectativa de cada evento, hasta que por fin confirmaron la fecha de estreno en marzo del 2024.
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Konami es una de las compañías más importantes de la industria. Si bien es cierto que actualmente son solo una sombra de lo que alguna vez llegaron a ser, nadie puede negar el impacto que series como Castlevania, Metal Gear, Suikoden, Gradius, Silent Hill y, por supuesto, Contra han tenido en millones de jugadores a lo largo de los años. Aunque la época dorada de la empresa, en donde cada título que nos entregaban resultaba ser uno de los mejores exponentes de su género, ha quedado en el pasado, en los últimos años hemos visto un intento de su parte por reclamar parte de esta magia, ya sea por trabajos propios, como lo fue el reciente Silent Hill: The Short Message, o por medio de colaboraciones con algunos de los estudios más interesantes que el medio tiene para nosotros hoy, como lo es WayForward.
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